더들리 로프먼(Dudley Laufman)이 지난주 향년 95세로 세상을 떠났다. 그는 1970년대 콘트라 댄스 부흥에 크게 기여한 인물로, 특히 라이브 음악을 장려한 것으로 잘 알려져 있다. 20년 전[1] 나는 그와 그의 파트너 재클린(Jacqueline)이 뉴햄프셔(NH) 자택에서 다섯 번째 토요일마다 열던 “Wind in the Timothy” 댄스 중 하나에 참석한 적이 있는데, 그가 자신이 하는 일을 진심으로 즐기고 있음이 분명했다.

나의 이해를 위한 프로젝트 라이브 음악에 대한 태도 탐구의 일환으로 나는 그의 직접 쓴 글을 읽어봐야겠다고 생각했다. 그의 글 대부분은 시였는데, 나는 대체로 더 구체적이고 직접적인 글을 선호한다. 하지만 그가 재클린과 함께 2009년에 공동 집필한 책 Traditional Barn Dances with Calls and Fiddling이 있었고, 이 책이 좀 더 기대해볼 만해 보였다.

내가 쓴 토니 파크스(Tony Parkes) 책에 대한 노트에서와 마찬가지로, 나는 이 책이 댄스 교본으로서의 본래 목적보다는 저자들과 그 배경에 대해 무엇을 말해주는지에 더 관심이 있다.

책의 느낌은 공식적이고 제도적이며 다소 딱딱하다. “콜러에게 … 할 수 있는지 반드시 물어보십시오(Be certain to ask the caller if he or she is able to…)” 같은 문장이 나오는 식이다. 수동태에, 매우 구조화된 문체이며 축약형을 피한다. 마치 나무 인형이 진짜 조언을 건네는 듯하다. “춤을 프레이즈에 맞춰 콜하는 것을 걱정하지 마십시오(Do not worry about calling the dances on the phrase)”, “콜러에게 ‘듀플 프로퍼(duple proper)’ 유형의 콘트라 댄스는 하지 말아 달라고 요청하십시오(Request that the caller not do contra dances of the “duple proper” variety)”, 그리고 “사람들은 사교적인 즐거움을 위한 댄스 파티에 오는 것이지, 워크숍에 참석하거나 복잡한 동작에 대한 장황한 설명과 시범을 들으려고 입장료를 낸 것이 아니라는 점을 콜러에게 강조하십시오(Emphasize to the caller that folks are coming to a dance party for a social good time. They are not paying their way in to attend a workshop or listen to lengthy explanations and walk-throughs of complicated figures.)” 같은 문장들이다. 내용은 포크이지만 प्रस्तुति는 포크스럽지 않다. 내 추측으로는 더들리가 초고를 쓰지 않았거나(재클린은 교육 서적을 다수 집필했다), 출판사의 하우스 스타일이 강하게 작용했거나, 혹은 둘 다일 것이다.

연주자를 고용하는 것에 대해 그들이 한 말은 다음과 같다.

라이브 음악은 녹음된 음악보다 낫다. 하모니카 하나뿐이라도 그렇다. 당신이 고용한 콜러는 자신이 사용하는 춤과 곡의 레퍼토리와 맞는 밴드를 선정하고 싶어 할 수도 있다.

작은 규모의 댄스(즉, 40명 미만)를 예상한다면 연주자 한 명(피들 연주자나 아코디언 연주자)과 콜러 한 명만 있어도 충분할 수 있다. 더 많은 연주자에게 지불할 돈이 많지 않다면 이는 합리적인 방법이다.

더 큰 규모의 댄스에는 최소 한 명의 피들 연주자와 기타, 스탠드업 베이스 또는 피아노 연주자, 그리고 소형 음향 시스템이 있어야 한다. 참가자가 120명을 넘으면 최소 세 명의 연주자가 있어야 한다. 전통적인 반 댄스 밴드를 구성하는 다른 악기로는 만돌린, 밴조, 아코디언, 페니휘슬, 플루트, 첼로가 있다. 금관악기 연주자는 피들 연주자들이 주로 사용하는 조로 연주하려면 매우 뛰어나야 한다.

많은 인원을 위한 음향 시스템은 추가 비용이 들지만, 밴드가 시스템을 가져올 경우 그 비용이 밴드 개런티에 포함될 수도 있다. 하지만 때로는 홀의 음향이 좋으면 콜러만 마이크를 사용하면 되기도 한다.

1800년대와 1900년대에 뉴잉글랜드의 댄스 오케스트라는 일반적으로 피들, 코넷(coronet) [sic], 스트링 베이스로 구성되었다. 오늘날에는 두 대의 피들과 스트링 베이스, 피아노, 아코디언이 풍성한 사운드를 제공한다.

앞부분에 나오는 녹음 음악에 대한 반대 선호는 매우 강하며, 내가 어렴풋이 기억하는 더들리의 말과 일치한다. 한 곡밖에 모르는 사람이 연주하는 음이 맞지 않는 피들에 맞춰 추는 것이 어떤 녹음에 맞춰 추는 것보다 낫다는 취지의 말이었다. 이것은 에니드 코크(Enid Cocke)가 반응했던 “무엇보다 라이브 음악”이라는 주장의 전형이다.

동시에, 이 책은 제목 자체에 “With Calls & Fiddling”이 들어간 책이라는 맥락도 있다. 이 책은 “많은 춤을 위해 콜이 들어간 트랙과 콜 없는 음악 트랙이 이어지는, 정통 피들 곡이 담긴 CD 두 장(Two CDs of authentic fiddle tunes for many of the dances with the calls on one track followed by the music track without calls.)”과 함께 제공된다. 그래서 여전히 실용적인 면도 있다. 실제로 이 책이 대상으로 하는 교사 대부분은 녹음된 음악에 맞춰 춤을 진행하게 될 것이다. 그리고 저자들은 이를 받아들인다.

결국 당신이 CD 중 하나를 집어 들고 “재생(Play)” 버튼을 누르기만 하면, 책을 펼쳐보지도 않고 콜을 하는 사람이 당신이든 더들리든 혹은 아무도 콜을 하지 않든 관계없이 모두가 춤을 추기 시작하는 날이 올 것이다. 예전에는 언제나 그랬던 것처럼, 모두가 춤을 알고 있었기 때문이다.

다만 그들이 학생들이 춤을 위해 연주하도록 독려하는 부분은 반가웠다.

나이가 좀 더 있는 오케스트라 학생들, 특히 중학생 이상은 댄스를 위한 음악을 연주하는 법을 배울 수 있다. 실제로 현악 학생들과 교사들은 일반 교실 환경에서 피들 곡을 연주하고 춤을 배우는 것으로 미국 현악 교사 협회(American String Teacher Association)의 국가 기준을 충족할 수 있다. 이 책에 딸린 CD에서 들을 수 있는 것처럼 음악을 댄스 템포로 유지하는 것이 매우 중요한데, 느린 템포는 춤을 처지게 만들어 잘 통하지 않기 때문이다. (이런 이유로 템포에 맞춰 곡을 연주하는 데 어려움을 겪는 어린 학생들은 댄스를 위해 연주하기까지 몇 년을 더 기다려야 할 수도 있다.)

당신의 댄스를 위해 연주하거나 스스로 댄스를 열어 돌아가며 음악을 연주하고 싶어 하는 학생들을 발견할 수도 있다. 나이 많은 학생들이 연주하는 동안 어린 학생들이 춤을 추게 하면, 어린 학생들이 피들 곡을 연습하고 큰 아이들처럼 댄스를 위해 연주하는 법을 배우도록 영감을 줄 수 있다. 피들 전통이 이어져 다음 세대, 즉 바로 그들 자신에게 전해지는 살아 있는 역사의 일부가 되는 경험을 그들에게 하게 해주자!

전반적으로 이 책은 나를 위한 책도 아니었고, 나도 의도된 독자가 아니었다. 하지만 지나치게 격식 있는 문체 너머로 더들리와 재클린이 반 댄스 관객들을 상대하며 쌓은 풍부한 경험이 전해졌고, 이제 나는 더들리의 라이브 음악에 대한 매우 강한 선호에 대한 내 기억과 가까운 내용을 인용할 만한 출처를 갖게 되었다.

[1] 거의 정확히 20년이다. 내가 좀 더 인내심 있는 블로거였다면 일주일을 기다려 딱 20년으로 맞췄을 것이다.