더들리 라우프먼이 지난주 95세의 나이로 세상을 떠났다. 그는 1970년대 콘트라 댄스 부흥에 크게 기여한 인물로, 특히 라이브 음악을 북돋운 것으로 가장 잘 알려져 있다. 20년 전[1] 나는 그와 파트너 재클린이 뉴햄프셔 자택에서 다섯 번째 토요일마다 열던 “Wind in the Timothy” 댄스 중 하나에 참석했는데, 그가 자신이 하는 일을 진심으로 즐기고 있음이 분명했다.

내 이해를 위한 프로젝트 라이브 음악에 대한 태도의 일환으로 나는 그의 글을 직접 읽어보기로 했다. 하지만 그의 글 대부분은 시였고, 나는 대체로 더 구체적이고 직접적인 글을 선호한다. 다만 그는 2009년에 재클린과 함께 Traditional Barn Dances with Calls and Fiddling이라는 책을 공동 집필했는데, 이 책은 좀 더 기대해볼 만해 보였다.

토니 파크스 책에 대한 노트에서처럼, 나는 이 책의 주된 목적인 댄스 교본으로서의 기능보다는 이 책이 저자와 그 배경에 대해 무엇을 말해주는지에 더 관심이 있다.

이 책의 느낌은 격식을 차리고 제도적이며 다소 딱딱하다. “콜러에게 …할 수 있는지 꼭 물어보라” 같은 문장이 그렇다. 수동태에, 매우 구조화된 문체이며 축약을 피한다. 마치 나무 인형이 전하는 진짜 조언 같다: “프레이즈에 맞춰 춤을 콜하는 것을 걱정하지 마라”, “콜러에게 ‘듀플 프로퍼’ 방식의 콘트라 댄스는 하지 말아 달라고 요청하라”, 그리고 “콜러에게 사람들은 사교적인 즐거움을 위한 댄스 파티에 오는 것이며, 워크숍에 참석하거나 복잡한 동작에 대한 장황한 설명과 시연을 들으러 입장료를 내는 것이 아님을 강조하라.” 내용은 포크적이지만 전개 방식은 전혀 포크스럽지 않다. 내 추측으로는 더들리가 초고를 쓰지 않았거나(재클린은 교육 서적을 많이 썼다), 출판사의 하우스 스타일이 강했거나, 혹은 둘 다일 것이다.

연주자를 고용하는 것에 대해 그들은 이렇게 말한다:

녹음된 음악보다 라이브 음악이 낫다, 하모니카 하나뿐이라도 그렇다. 당신이 고용한 콜러는 자신이 사용하는 춤과 곡과 레퍼토리가 일치하는 밴드를 직접 고르길 원할 수도 있다.

작은 규모의 댄스(즉, 40명 미만)를 예상한다면 연주자 한 명(피들러나 아코디언 연주자)과 콜러 한 명으로도 충분할 수 있다. 더 많은 연주자에게 지불할 돈이 많지 않을 때 이는 합리적인 방법이다.

더 큰 규모의 댄스에는 최소 한 명의 피들러와 기타, 스탠드업 베이스 또는 피아노 연주자 한 명, 그리고 작은 음향 시스템이 있어야 한다. 참석자가 120명을 넘으면 최소 세 명의 연주자가 있어야 한다. 전통적인 반 댄스 밴드를 이루는 다른 악기로는 만돌린, 밴조, 아코디언, 페니휘슬, 플루트, 첼로가 있다. 금관악기 연주자는 피들러들이 주로 사용하는 조성으로 연주하려면 매우 뛰어나야 한다.

많은 인원을 위한 음향 시스템은 추가 비용이 들지만, 밴드가 시스템을 가져오면 그 비용이 연주료에 포함될 수도 있다. 하지만 때로는 홀의 음향이 좋으면 콜러만 마이크를 사용하면 된다.

1800년대와 1900년대에 뉴잉글랜드의 댄스 오케스트라는 일반적으로 피들, 코넷[sic], 스트링 베이스로 구성되었다. 오늘날에는 두 대의 피들, 스트링 베이스, 피아노, 아코디언이 풍부하고 꽉 찬 사운드를 제공한다.

맨 앞에서 녹음 음악보다 라이브를 선호한다는 입장은 매우 강하게 드러나며, 더들리가 음이 맞지 않는 피들로 단 한 곡밖에 모르는 사람이 연주하더라도 녹음된 음악보다 그에 맞춰 추는 편이 낫다고 말했던 것 같은 희미한 기억과도 일치한다. 이는 에니드 콕이 반발했던 “무엇보다 라이브 음악”이라는 주장과 같은 종류다.

동시에 여기서의 맥락은 제목에 아예 “With Calls & Fiddling”이 들어간 책이라는 점이다. 이 책에는 “많은 춤을 위한 정통 피들 곡을 담은 두 장의 CD가 포함되어 있으며, 한 트랙에는 콜이 포함되고 이어지는 트랙에는 콜 없는 음악만 담겨 있다.” 그래서 여전히 어느 정도 실용성이 있다. 실제로 이 책이 겨냥하는 대부분의 교사들은 녹음된 음악에 맞춰 춤을 진행하게 될 것이다. 그리고 저자들은 이를 받아들인다:

결국 언젠가는 CD 중 하나를 집어 들어 “재생” 버튼만 누르면, 책을 펼치지도 않은 채 모두가 춤추기 시작하는 날이 올 것이다. 콜을 하는 사람이 당신이든 더들리든, 아무도 콜을 하지 않든 상관없이 말이다 — 원래 언제나 그랬던 것처럼, 모두가 춤을 알고 있었기 때문이다.

다만 그들이 학생들이 춤을 위해 직접 연주하도록 독려하는 부분은 반가웠다:

나이 많은 오케스트라 학생들, 특히 중학생 이상은 댄스를 위한 음악을 연주하는 법을 배울 수 있다. 실제로 현악을 배우는 학생들과 교사들은 일반 교실 환경에서 피들 곡을 연주하고 춤을 배우는 것으로 미국 현악 교사 협회의 국가 기준을 충족할 수 있다. 이 책에 딸린 CD에서 들을 수 있듯이 음악을 반드시 댄스 템포로 유지하는 것이 중요하다. 느린 템포는 춤을 처지게 만들어 잘 통하지 않기 때문이다. (이런 이유로 곡을 템포에 맞춰 연주하기 어려워하는 어린 학생들은 댄스를 위해 연주하기까지 몇 년을 더 기다려야 할 수도 있다.)

학생들이 당신의 댄스를 위해 연주하거나 스스로 댄스를 열어 돌아가며 연주하기를 열망하는 모습을 발견할 수도 있다. 나이 많은 학생들이 연주하는 동안 어린 학생들이 춤추게 하면, 어린 학생들이 피들 곡을 연습하고 큰 아이들처럼 댄스를 위해 연주하는 법을 배우도록 자극할 수 있다. 피들 전통이 이어져 다음 세대, 즉 그들 자신에게 전해지는 살아 있는 역사의 일부가 되는 경험을 하게 하라!

전체적으로 이 책은 나를 위한 책도 아니었고 나도 의도된 독자가 아니었다. 하지만 지나치게 격식 있는 문체 너머로 더들리와 재클린이 반 댄스 관객들과 함께한 풍부한 경험이 전해졌고, 이제 더들리의 라이브 음악에 대한 매우 강한 선호에 대한 내 기억과 가까운 내용을 인용할 수 있는 출처도 갖게 되었다.

[1] 거의 정확히 그날에 가깝다. 내가 좀 더 인내심 있는 블로거였다면 정확히 20년이 되도록 일주일을 더 기다렸을 것이다.