Tony Parkes의 “Contra Dance Calling”에 대한 노트
1992년에 뉴잉글랜드 콘트라댄스 콜러 중 가장 잘 알려진 인물 중 한 명인 Tony Parkes가 책을 한 권 썼다: Contra Dance Calling: a Basic Text. 2010년에는 개정된 2판을 출간했다. 나는 두 판본의 중고본을 각각 구해 통독했는데, 그가 당시에 무엇을 생각했는지, 그리고 후에 무엇을 바꾸었는지가 궁금했기 때문이다.
1992년 초판을 처음부터 끝까지 읽은 뒤, 2010년 2판을 옆에 펼쳐 놓고 달라진 점을 찾으며 훑어보았다. 메모는 다음과 같다.
나는 무엇보다 이 책이 시간의 흐름에 따라 공동체와 관행에 대해 무엇을 보여주는지에 관심이 있지만, 이 책이 애초에 의도한 바 — 콘트라댄스 콜링에 대한 철저한 입문서 — 로서는 아주 훌륭하게 성공하고 있다.
몇 년만 더 일찍 읽었더라면 그에게 직접 질문할 수 있었을 텐데 그러지 못한 것이 아쉽다!
Parkes가 제시하는 템포는 빠르다: “[120bpm]은 군대가 장시간 편안하게 행군하기 위해 채택한 템포이며, 콘트라댄스에서는 여러 세대에 걸쳐 표준이 되어 왔다. 저녁 내내 템포를 바꿔 에너지나 흥분도의 대비를 줄 수 있지만, 어느 쪽으로든 분당 8박자 이상(112까지 낮추거나 128까지 높이는 것) 벗어나서는 안 될 것이다.” Parkes는 콜러이자 피아노 연주자였고 뮤지컬에 깊이 빠져 있어 자신이 말하는 바를 정확히 알고 있었으므로, 나는 그의 수치를 문자 그대로 받아들이고자 한다.
나는 평소 사람들에게 (예시) 108~122라고 말하곤 하는데, 오늘날 126만 연주해도 꽤 불만을 표하는 사람들이 있을 것 같다. 110 근처에 머무는 것을 선호하는 밴드를 몇 팀 알고 있고, 120bpm을 절대 넘지 말라는 말을 들은 적도 있다. 이것이 세월에 따른 변화를 보여주는 것인지(2010년 판에서도 같은 수치를 그대로 유지하고 있지만) 아니면 애초부터 다소 독특한 견해였던 것인지는 모르겠다.
Parkes는 비교적 긴 댄스를 선호했다: “내 생각에 숙련된 댄서에게는 10분 정도가 적당하다. 초보자나 은퇴 연령을 넘긴 분들을 위해서는 세트를 5~6분으로 줄이는 것을 고려할 수 있다. 대부분의 스퀘어댄스와 콘트라댄스 레코드는 3~4분 분량이다. 녹음된 음악에 맞춰 콘트라를 콜링한다면 레코드를 두 번 틀거나 한 댄스에 두 개의 다른 레코드를 사용할 수 있다. 전통적으로 콘트라는 “끝까지 내려갔다가 다시 돌아오는” 방식으로 춰졌다. 즉, 원래 헤드 커플이 라인의 맨 아래까지 내려갔다가 다시 맨 위로 올라올 때까지 추는 것이다. 이는 모든 사람이 동등하게 춤출 기회를 갖도록 하기 위해 필요했는데, 1950년대 이전에는 대부분의 콘트라 루틴에서 적어도 절반의 커플이 상당 시간 동안 제자리에서 기다려야 했기 때문이다.” 나는 8~9분을 보통으로 생각한다. 이는 콘트라댄스가 라이브 음악을 유지할 수 있었던 이유 중 하나가 레코드(그리고 45회전 싱글)가 모든 사람이 액티브로 한 번씩 출 수 있을 만큼 충분히 길지 않았기 때문일 수 있다는 나의 가설과도 이어진다.
Parkes는 “four potato” 스타트를 설명하지 않는다: “대부분의 밴드는 각 곡을 4박자 도입부로 시작하는 것을 선호한다. 이는 보통 두 가지 형태 중 하나를 띤다: 바이올린의 셔플(‘dah-didi-dah-didi-dah-didi-dah’)이나 네 번의 ‘oom-pah’로 이루어진 피아노 뱀프다.” 나는 이것이 1992년 무렵에는 이미 대부분 four potato 방식으로 대체되어 사라진 것으로 생각하는데, 그는 2010년 개정판에서도 그대로 두었다.
그는 녹음 음악과 라이브 음악에 대해 이렇게 적는다:
누군가 “좋은 레코드가 나쁜 밴드보다 낫다”고 말한 적이 있다. 이는 아무리 잘 봐줘야 반쪽짜리 진실이다. 각 댄스에 맞춰 신중하게 고르고 최고 품질의 음향 시스템으로 재생한, 구할 수 있는 가장 훌륭한 레코드라 해도 불안정하거나 무성의한 밴드보다 어떤 면에서는 나을 수 있다. 어떤 면에서는, 그러나 전부는 아니다. 최악의 라이브 밴드라 할지라도 레코드는 결코 따라올 수 없는 즉각성이 있다.
그럼에도 녹음된 음악은 특정 상황에서 구세주가 될 수 있다. 새로 결성된 댄스 그룹이 댄스 음악을 연주할 뮤지션을 한 명도 찾지 못하는 지역이라면, 레코드와 테이프로 된 훌륭한 스퀘어 및 콘트라댄스 음악을 구할 수 있다는 사실에 기뻐할 것이다. 스퀘어댄스를 시도하고 싶지만 예산이 도저히 라이브 음악을 감당하지 못하는 작은 교회나 학부모-교사 단체 같은 곳은 레코드를 사용하는 콜러를 고용하거나 아예 활동을 포기해야 할 수도 있다. 종종 그런 그룹들은 첫 댄스를 너무 즐긴 나머지 다음에는 같은 콜러를 이번에는 라이브 밴드와 함께 다시 고용하곤 한다!
레코드를 성공적으로 활용하는 핵심은 그 강점을 살리는 것이다. 이를 “장점”이라고 부르기는 주저되지만, 녹음 음악에도 분명한 강점이 있다: …
나는 이를 전반적으로 라이브 음악을 지지하는 입장으로 보지만, 원칙적인 지지라기보다는 실용적인 지지에 가깝다고 생각한다.
다음 대목 역시 실용적이며, 댄스를 위해 연주할 초보 뮤지션을 육성한다는 목표가 분명히 드러난다:
당신이 찾은 뮤지션들의 실력은 뛰어난 수준부터 최소한의 수준까지 다양할 것이다. 당신이 찾은 사람들이 모두 한쪽 극단에 몰려 있는 것 같아도 당황하지 마라. 뛰어난 연주자들은 안정적인 지역 공연 자리를 반길 수도 있다. 시리즈를 평일 밤에 연다면, 토요일 콘서트 때보다 적은 비용으로 최정상급 실력자를 고용할 수 있을지도 모른다. 반면 초보나 취미로 연주하는 뮤지션들은 경험과 노출(그리고 약간의 교통비)을 얻는 것만으로도 기꺼이 연주하려 할 것이다. 완전한 초보라 해도 당신의 댄스에 자산이 될 수 있다. 저녁 내내 녹음 음악을 사용하는 동안 한두 곡만 연주하게 하고, 점차 하룻밤 전체를 맡을 때까지 실력을 키워 나가면 된다.
두 판본을 비교했을 때 가장 흔한 변경은 기술적인 부분이다: “records”나 “tapes” 대신 “recordings”라는 표현을 쓰고, 추천 음향 장비 제조업체 목록을 갱신한 것 등이다. 2010년 판은 gypsy 담론과 주류가 된 젠더프리 콜링으로의 전환 이전에 나왔지만, 이 전환 초기의 논의와 LGBT 그룹을 위한 젠더프리 콜링에 대한 내용을 추가했다:
이는 세 번째 접근법, 즉 성별 역할에 대한 새로운 이름을 만드는 것으로 이어진다. 지난 20여 년 동안 이것이 이 문제를 다루는 지배적인 방법이 되었다. 많은 다른 이름들이 시도되었다. 몇몇 리더들은 “ones”와 “twos”를 사용했다(물론 스퀘어와 콘트라에서는 그 용어가 다른 의미를 갖는다). 더 흔한 것은 “reds”와 “blues”, “lions”와 “tigers”, “moons”와 “stars” 같은 이름이다. 이런 중립적인 이름으로는 어떤 이름이 어떤 역할을 가리키는지 기억하기 어려울 수 있다. 댄서들에게는 중요하지 않지만, 콜러는 각 커플에서 누가 오른쪽에 있는지, 그리고 전통 루틴을 각색했을 때 누가 무엇을 해야 하는지를 추적해야 한다. 내 아내 Beth는 전통 스퀘어댄스인 Birdie in the Cage에서 따와 “lady” 대신 “birdie”를, “gent” 대신 “crow”를 자주 사용한다. 여기에는 두 가지 장점이 있다. 콜러가 어떤 역할이 무엇인지 기억하기 쉽고, 새 이름이 기존 이름과 음절 수가 같아 리듬에 맞춰 콜링할 때 바로 대체할 수 있다는 것이다.
새로운 이름 외에도 댄서들은 완장, 조끼, 헐렁한 천 요크 같은 의상 소품으로 구분할 수 있다. 보통은 각 커플 중 한 명만 이를 착용한다. 단일 성별 그룹에서는 “반대” 역할을 맡은 사람일 것이고, 젠더프리 그룹에서는 “리드” 혹은 “gent” 역할을 맡은 사람일 가능성이 높다. LGBT 콘트라댄스 분야의 선구자인 Chris Ricciotti는 역할을 “armbands”와 “bare-arms”, 줄여서 “bands”와 “bares”라고 부른다 — 비록 그의 댄서들은 이제는 완전한 완장 대신 짧은 클립형 리본을 착용하지만 말이다. 모자는 완장이나 요크보다 실용성이 떨어지는데, 쉽게 벗겨지고 머리를 헝클어뜨리며 가끔 머릿니를 옮길 수 있다는 의심을 받기 때문이다.
1992년 판은 종이 질이 현저히 더 좋고 인쇄 품질도 더 우수하다.