先週、ダドリー・ローフマン（Dudley Laufman）が95歳で亡くなりました。彼は1970年代のコントラダンス・リバイバルへの多大な貢献、とりわけ生演奏を根づかせてきたことでよく知られています。20年ほど前[1]、私も彼とパートナーのジャクリーンがニューハンプシャーの自宅で第5土曜日に開いていた「Wind in the Timothy」のダンスに参加したことがありますが、彼が本当に楽しんでやっていることは一目でわかりました。

生演奏への向き合い方を理解するプロジェクト（生演奏に対する考え方）の一環として、彼の言葉を直接読んでみようと思いました。ただ、彼の残した言葉の多くは詩で、私はもっと具体的で率直なものが好みです。そんな中、彼がジャクリーンと共著で2009年に出した『Traditional Barn Dances with Calls and Fiddling（コールとフィドル付き 伝統的バーンダンス）』は、期待できそうに思えました。

トニー・パークス（Tony Parkes）の本についてのノートと同じく、私が関心を持っているのは、ダンス教本としての本来の使い道よりも、この本が著者やその背景について何を物語っているかという点です。

本全体の印象は堅く、公的で、ややぎこちないものです。たとえば「コーラーが〜できるかどうか、必ず確認してください」といった文体で、受動態が多く、きっちり構造化された、短縮形を避けた文章が続きます。木彫りの操り人形が真面目に助言をしているような感じさえあります。「フレーズ通りにコールするかどうかを心配する必要はありません」「コーラーには『ダプル・プロパー』のコントラダンスはしないよう依頼してください」「参加者は楽しく社交するためのダンスパーティーに来ているのであり、ワークショップを受けたり複雑なフィギュアの長い説明や通し稽古を聞くためにお金を払っているのではないことを、コーラーに強調してください」といった調子です。中身はフォークなのに、見せ方はまったくフォークらしくありません。おそらくダドリーが原稿を書いたのではない（ジャクリーンは教育書を多く執筆しています）、出版社のハウススタイルが強かった、あるいはその両方が理由だろうと私は推測しています。

演奏者を雇うことについて、彼らは次のように書いています。

生演奏は、たとえハーモニカ一本だけでも、録音された音楽より優れています。雇ったコーラーは、自分が使うダンスや曲目とレパートリーが合うバンドを選びたがるかもしれません。

小規模なダンス（40人未満）が見込まれる場合は、演奏者一人（フィドラーまたはアコーディオン奏者）とコーラーだけでも十分かもしれません。演奏者にもっとお金を払う余裕がない場合には、これは妥当なやり方です。

規模が大きいダンスでは、少なくともフィドラー一人と、ギター、スタンドベース、またはピアノの奏者、そして小さな音響設備を用意すべきです。参加者が120人を超える場合は、少なくとも3人の演奏者が必要です。伝統的なバーンダンス・バンドを構成する他の楽器には、マンドリン、バンジョー、アコーディオン、ペニーホイッスル、フルート、チェロなどがあります。金管楽器の奏者は、フィドラーが好んで使うキーで演奏するために、非常に優れていなければなりません。

大人数用の音響設備は追加費用がかかりますが、バンドが機材を持ち込む場合はその料金に含まれていることもあります。ただし、ホールの音響が良ければ、コーラーだけにマイクがあればよい場合もあります。

1800年代から1900年代にかけて、ニューイングランドのダンス・オーケストラは典型的にはフィドル、コルネット［原文ママ］、ストリングベースで構成されていました。今日では、フィドル2挺、ストリングベース、ピアノ、アコーディオンで、豊かで厚みのある音が得られます。

冒頭の録音音楽に対する否定的な姿勢は非常に強く、私がかすかに覚えている、ダドリーが「どんな録音で踊るよりも、一曲しか知らない人が弾く音程の外れたフィドルで踊る方がましだ」といった趣旨のことを言っていた記憶とも一致します。これは、イーニッド・コック（Enid Cocke）が反応していた「何よりも生演奏を」という強い推進と同種のものです。

同時に、ここで念頭に置くべきなのは、この本自体がタイトルに「With Calls & Fiddling（コールとフィドル付き）」と掲げているということです。付属するのは「多くのダンスについて、本物のフィドル曲を収録した2枚のCDで、コール入りのトラックに続いてコールなしの音楽トラックが収められています」というものです。つまり、そこには現実的な配慮もあります。実際、この本が想定している多くの先生方は、録音された音楽に合わせてダンスを進めることになるでしょう。そして著者たちもそれを受け入れています。

いずれ、CDの1枚を手に取って「再生」を押し、本を開くことすらなく、誰がコールをしていても――あなたでも、ダドリーでも、あるいは誰もコールしなくても――皆が踊り出す日が来るでしょう。それが本来の姿だったのです。なぜなら、誰もがダンスを知っていたのですから。

もっとも、ダンスのために生徒たち自身が演奏することを後押ししている点は、うれしく思いました。

年長のオーケストラの生徒、特に中学生以上の生徒は、ダンスのための音楽を演奏できるようになります。実際、弦楽の生徒やその指導者は、フィドル曲を演奏し、通常の授業の中でダンスを学ぶことで、全米弦楽教師協会（American String Teacher Association）の全国基準を満たすことができます。本書に付属するCDで聴けるように、音楽をダンスのテンポに保つことが極めて重要です。テンポが遅いとダンスがだれてしまい、うまくいかない傾向があるからです。（このため、曲をテンポ通りに弾くのに苦労する年少の生徒は、ダンスで演奏できるようになるまで数年待つ必要があるかもしれません。）

あなたのダンスで演奏したがったり、自分たちでダンスを開いて交代で演奏したがる生徒が見つかるかもしれません。年長の生徒が演奏し、年少の子が踊るという形は、年少の子にとって、フィドル曲を練習し、お兄さんやお姉さんのようにダンスで演奏できるようになりたいという意欲につながります。フィドルの伝統が受け継がれ、次の世代――すなわち彼ら自身へと渡っていく中で、生きた歴史の一部となる経験をさせてあげてください。

全体として、この本は私向きではありませんでしたし、私は想定読者でもありませんでした。しかし、堅苦しい文章の向こう側からも、ダドリーとジャクリーンがバーンダンスの参加者たちと積み重ねてきた豊富な経験は伝わってきました。そして、ダドリーの生演奏への非常に強いこだわりについての私の記憶に近いものを、引用可能な形で得ることができました。

[1] ほぼちょうど20年です。もう少し辛抱強いブロガーなら、一週間待ってきっかり20年にしてから書いたことでしょう。