ダドリー・ラウフマンが先週95歳で亡くなった。彼は1970年代のコントラダンス・リバイバルへの多大な貢献、とりわけ生演奏を育んできたことで知られている。20年前[1]、彼とパートナーのジャクリーンがニューハンプシャーの自宅で第5土曜日に開いていた「Wind in the Timothy」ダンスのひとつに私も参加したことがあるが、彼は心からそれを楽しんでいるのがよくわかった。

私の理解を深めるためのプロジェクト——生演奏に対する考え方について——の一環として、彼の言葉を直接読んでみようと思った。ただ、彼の残した言葉の多くは詩で、私はもっと具体的で率直なものが好みだ。とはいえ、2009年に彼がジャクリーンと共著でTraditional Barn Dances with Calls and Fiddlingという本を出しており、こちらは期待できそうだった。

トニー・パークスの本についてのノートのときと同様、この本についても、ダンス教本としての本来の目的よりも、著者やその背景について何を語っているかに興味がある。

本の雰囲気は堅く、制度的で、ややぎこちない。「Be certain to ask the caller if he or she is able to...（コーラーに〜できるかどうか必ず尋ねてください）」といった文体だ。受動態が多く、きわめて構造化された文章で、短縮形は避けられている。まるで木製の操り人形がまっとうなアドバイスをしているかのようだ。「Do not worry about calling the dances on the phrase（フレーズ通りにコールできるか心配しないでください）」、「Request that the caller not do contra dances of the “duple proper” variety（コーラーには『デュープル・プロパー』形式のコントラダンスはしないよう依頼してください）」、そして「Emphasize to the caller that folks are coming to a dance party for a social good time. They are not paying their way in to attend a workshop or listen to lengthy explanations and walk-throughs of complicated figures.（みんなは楽しい社交の場としてのダンスパーティーに来るのだということをコーラーに強調してください。彼らはワークショップに参加したり、複雑なフィガーの長い説明やウォークスルーを聞くためにお金を払っているのではありません）」といった具合である。中身はフォークなのに、見せ方はまったくフォーキーではない。ダドリーが原稿を書いたのではない（ジャクリーンは教育書を多数執筆している）、出版社に強いハウススタイルがあった、あるいはその両方だろうと私は推測している。

音楽家の雇い方について、彼らはこう書いている。

生演奏は、たとえハーモニカ一本だけであっても、録音された音楽より優れている。あなたが雇うコーラーは、自分の使うダンスや曲目とレパートリーが合うバンドを選びたがるかもしれない。

小規模なダンス（つまり40人未満）が予想される場合は、音楽家は一人（フィドラーかアコーディオン奏者）とコーラーだけでも十分かもしれない。より多くの音楽家に支払うお金があまりない場合、これは妥当なやり方だ。

より大きなダンスでは、少なくともフィドラー一人と、ギター、スタンドアップベース、あるいはピアノの奏者、そして小さな音響システムが必要だ。参加者が120人を超える場合は、少なくとも3人の音楽家がいるべきだ。伝統的なバーンダンス・バンドを構成する他の楽器には、マンドリン、バンジョー、アコーディオン、ペニーホイッスル、フルート、チェロなどがある。金管楽器の奏者は、フィドラーが好んで使う調で演奏するには非常に優れていなければならない。

大人数向けの音響システムは追加費用がかかるが、バンドがシステムを持ち込む場合はバンドの料金に含まれていることもある。ただし、ホールの音響が良ければ、コーラーだけがマイクを必要とする場合もある。

1800年代から1900年代にかけて、ニューイングランドのダンス・オーケストラは通常、フィドル、コルネット［sic］、そしてストリングベースで構成されていた。今日では、2挺のフィドル、ストリングベース、ピアノ、アコーディオンによって、豊かで充実したサウンドが得られる。

冒頭の録音音楽に対する否定的な選好は非常に強く、ダドリーが「たった一曲しか知らない人の弾く音程の外れたフィドルに合わせて踊る方が、どんな録音で踊るよりもましだ」といった趣旨のことを言っていたという私の朧げな記憶とも一致する。これは、イーニッド・コックが反発していた「何よりも生演奏を」という推進の典型だ。

同時に、ここでの文脈はタイトルにまさに「With Calls & Fiddling（コールとフィドリング付き）」と掲げた本だということだ。本には「多くのダンスのために、コール入りのトラックに続いてコールなしの音楽トラックを収録した、本物のフィドル曲を収めた2枚のCD」が付属している。つまり、そこにはやはり現実的な側面もある。実際、この本が想定する教師の多くは、録音された音楽に合わせてダンスを進めることになるのだ。そして著者たちもそれを受け入れている。

いずれ、あなたがCDのうち1枚を手に取り、「再生」を押し、本を開くことさえなく、誰がコールしているかにかかわらず——あなたであれ、ダドリーであれ、あるいは誰もコールしていなくても——みんなが踊り始めるのを見る日が来るだろう。それが本来の姿だったのだ。なぜなら、みんながダンスを知っていたのだから。

ただ、彼らが生徒たちにダンスのための演奏をさせようと推しているのは嬉しかった。

年長のオーケストラの生徒、特に中学生以上であれば、ダンスのために音楽を演奏することを学べる。実際、弦楽器の生徒とその教師は、通常の教室でフィドル曲を演奏し、ダンスを学ぶことで、アメリカ弦楽教師協会の全国基準を満たすことができる。本に付属するCDで聴けるように、音楽をダンスのテンポに保つことが極めて重要だ。テンポが遅いとダンスがだれてしまい、うまくいかない傾向があるからだ。（このため、曲をテンポ通りに弾くのに苦労する年少の生徒は、ダンスのために演奏できるようになるまで数年待つ必要があるかもしれない。）

生徒たちがあなたのダンスのために演奏したがったり、自分たちでダンスを開いて交代で演奏したがったりするのを見つけるかもしれない。年長の生徒が演奏し、年少の生徒が踊るようにすれば、年少の子たちはフィドル曲の練習に励み、年上の子たちのようにダンスのために演奏できるようになりたいと思うようになる。フィドルの伝統が受け継がれ、次の世代——すなわち彼ら自身へと引き継がれていく中で、生きた歴史の一部となる経験を彼らにさせてあげてほしい。

全体として、これは私のための本ではなく、私は想定された読者でもなかった。しかし、過度に堅苦しい文章の向こう側からも、バーンダンスの群衆と向き合ってきたダドリーとジャクリーンの豊富な経験は伝わってきた。そして今、ダドリーの生演奏に対する非常に強い選好についての私の記憶に近いものについて、引用可能な典拠を手に入れることができた。

[1] ほぼ日数までぴったりだ。もう少し我慢強いブロガーなら、ちょうど20年になるまであと一週間待っただろう。