トニー・パークス『Contra Dance Calling』についてのノート
1992年、ニューイングランドで最もよく知られたコントラダンスのコーラーの一人であるTony Parkesことトニー・パークスは、一冊の本を著しました。Contra Dance Calling: a Basic Textです。2010年には改訂された第2版が出版されました。私はそれぞれの古本を入手して読み通しました。彼が何を考えていたのか、そして何を変えようとしたのか、その両方に興味があったからです。
まず1992年の初版を一通り読み、その後旧版を横に置きながら2010年の第2版にざっと目を通し、変更点を探しました。以下が私のメモです。
私がこの本に主に興味を持ったのは、コミュニティや実践が時間をかけてどう移り変わってきたかを教えてくれる点ですが、本来の目的である「コントラダンスのコーリング実践への徹底した入門書」としても、非常によくできています。
数年早く読んでいれば、直接彼に質問できたのにと思うと残念です！
パークスの想定するテンポは高めです。「［120bpm］は、軍隊が長時間快適に行進するために採用したテンポであり、コントラダンスでは何世代にもわたって標準とされてきました。一晩の中でテンポを変えて、エネルギーや盛り上がりのコントラストをつけることもできますが、どちらに振るにしても8ビート程度（112まで下げるか128まで上げるか）を超えて変えるべきではないでしょう。」パークスはコーラーであると同時にピアニストでもあり、ミュージカルにも精通していて、何を言っているのかをよく分かっている人なので、彼の示す数字は文字通りに受け取ってよいと思います。
私はいつも人には（例）108〜122だと伝えていますし、今日もし126で演奏すれば、かなり不機嫌になる人が出てくるだろうと思います。110前後を好むバンドもいくつか知っていますし、120bpmを超えてはならないと言われたこともあります。これが長年の変化を表しているのか（2010年版でも同じ数字を維持していますが）、それとも当初からやや独特な主張だったのかは、私には分かりません。
パークスは長めのダンスを好んでいました。「私の感覚では、経験者には10分程度がちょうどよいと思います。初心者や定年を過ぎた方々には、5〜6分に短縮するとよいでしょう。ほとんどのスクエアダンスやコントラダンスのレコードは3〜4分です。録音音源でコントラをコールする場合は、一枚のレコードを二回かけるか、一つのダンスに二枚の異なるレコードを使うことができます。伝統的には、コントラは“端から端まで行って戻ってくる”まで踊られました。つまり、最初のヘッドカップルが列の末尾まで下がり、再び先頭まで戻ってくるまで踊るということです。これは全員が均等に踊れるようにするために必要でした。1950年代以前は、ほとんどのコントラの振り付けでは少なくとも半数のカップルがかなりの時間立ったままだったからです」私は8〜9分を典型的だと考えています。これは、コントラダンスが生演奏を維持してきた理由の一つとして、レコード（や45回転シングル）が短すぎて全員にアクティブの順番が回ってこなかったからではないか、という私の仮説とも符合します。
パークスは「フォー・ポテト」でのスタートについては触れていません。「ほとんどのバンドは、各曲を4ビートのイントロで始めることを好みます。これは通常、次の二つの形のいずれかをとります。フィドルのシャッフル（『ダー・ディディ・ダー・ディディ・ダー・ディディ・ダー』）か、4つの『ウーム・パッ』からなるピアノのヴァンプです。」私の感覚では、これは1992年までにはほとんどがフォー・ポテトに取って代わられていたものだと思いますが、彼は2010年の改訂でもこの記述をそのまま残しています。
録音と生演奏についても記述があります。
「良いレコードは下手な生バンドよりましだ」と誰かが言ったことがあります。これはよく言っても半分しか真実ではありません。入手できる最高のレコードを、一つひとつのダンスに合わせて慎重に選び、最高品質の音響システムで再生したとしても、不安定だったりやる気のないバンドよりある面では優れているかもしれません。しかし、すべてではありません。どんなにひどい生バンドでも、レコードには決して出せない即時性という感覚がそこにはあります。
それでも、録音された音楽は特定の状況では救いになり得ます。ダンスミュージシャンを誰も知らない地域で新たにダンスグループを立ち上げた場合、レコードやテープで良質なスクエアダンスやコントラダンスの音楽が手に入ることを喜ぶでしょう。スクエアダンスを試してみたいけれど、生演奏を雇う予算がどうしてもないという小さな教会やPTAのような団体は、レコードを使ったコーラーを雇うか、活動自体を諦めるしかないかもしれません。そうした団体がダンスを初めて体験してとても楽しめば、次は同じコーラーを生バンド付きで呼んでくれることもよくあります。
録音をうまく使う鍵は、その長所を活かすことです。「利点」と呼ぶのはためらわれますが、録音音楽にも確かに強みはあります……
全体として生演奏を支持する内容だと感じますが、その姿勢は「原則論」というより「現実的」なものだといえます。
次の部分もまた現実的で、初心者のミュージシャンを育ててダンスの演奏ができるようにすることを明確な目標としています。
あなたが見つけるミュージシャンの腕前は、 outstanding から minimal までさまざまです。見つけた全員がどちらか一方の極端に偏っているように見えても、慌てる必要はありません。腕利きの奏者は、安定した地元の仕事を歓迎するかもしれません。シリーズを平日の夜に開催すれば、土曜のコンサートで求められる額よりも安く、一流の腕を持つ人材を雇えるかもしれません。一方で、駆け出しや気軽にやっているミュージシャンは、経験や人前に出る機会（そしていくらかの交通費）を得られるだけでも喜んで演奏してくれるでしょう。まったくの初心者でさえ、あなたのダンスにとって財産になり得ます。一晩のうち一、二曲だけ演奏してもらい、残りは録音音源を使い、徐々に一晩通して演奏できるようにしていけばよいのです。
二つの版を比べると、最も多い変更は技術的なものです。「レコード」や「テープ」が「レコーディング（録音音源）」に置き換えられ、推奨する音響機材メーカーのリストも更新されています。2010年版はジプシーをめぐる議論やジェンダーフリーなコーリングへの本格的な移行より前のものですが、この移行の初期やLGBTグループ向けのジェンダーフリーなコーリングについての議論は追加されています。
これが三つ目のアプローチ、つまり性別役割に新しい名前を付けるという方法につながります。この20年ほどの間に、これが問題への対処法として主流になってきました。さまざまな名前が試されています。少数のリーダーは「ワンズ」と「ツーズ」（もちろん、スクエアやコントラではこれらの用語は別の意味を持ちます）を使ってきました。より一般的なのは「レッズ」と「ブルーズ」、「ライオンズ」と「タイガース」、「ムーンズ」と「スターズ」のような名前です。こうした中立的な名前では、どちらの名前がどちらの役割を指すのかを覚えるのが難しくなることがあります。ダンサーにとってはどちらでも構いませんが、コーラーは各カップルのどちらが右側にいるのか、そして伝統的な振り付けをアレンジした際に誰が何をすべきかを把握しておかなければなりません。私の妻ベスは、伝統的なスクエアダンスの Birdie in the Cage にちなんで、「レディ」の代わりに「バーディー」、「ジェント」の代わりに「クロウ（カラス）」をよく使います。これには二つの利点があります。どちらの役割がどちらかをコーラーが覚えやすいこと、そして新しい名前が古い名前と同じ音節数で、リズムに合わせてコールする際にそのまま置き換えられることです。
新しい名前に加えて、腕章やベスト、ゆったりした布製のヨークといった衣装の一部でダンサーを区別することもできます。通常は、各カップルの片方だけがそれを身につけます。単一性別のグループでは「逆」の役割を演じる人が、ジェンダーフリーのグループでは「リード」や「ジェント」の役割を演じる人が身につけることが多いでしょう。LGBTコントラダンス分野の先駆者であるクリス・リッチオッティ（Chris Ricciotti）は、役割を「アームバンズ」と「ベアアームズ」、略して「バンズ」と「ベアズ」と呼んでいます——ただし、彼のダンサーたちは現在では本格的な腕章ではなく、短いクリップ式のリボンを着けています。帽子は、簡単に脱げてしまったり、髪型を崩したり、シラミを媒介するのではないかと疑われたりするため、腕章やヨークほど実用的ではありません。
1992年版の本は、紙質が明らかに高く、印刷の品質も優れています。