1992年、ニューイングランドで最もよく知られたコントラダンスのコーラーの一人であるトニー・パークスが、一冊の本を著した。Contra Dance Calling: a Basic Textである。2010年には改訂された第2版が出版された。私はその両方の古本を手に入れて読み通してみた。彼が何を考えていたのか、そして何を変えようとしたのかに興味があったからだ。

1992年の初版を一通り読んだあと、2010年の第2版を初版と並べてめくりながら、変更点を探した。気づいたことは以下の通り。

• 私が主に興味を持っているのは、この本がコミュニティや実践が時代とともにどう変わってきたかを何を物語っているかという点だが、本来の目的である「コントラダンスのコールを包括的に紹介する入門書」としても、非常によくできている。

• 数年前に読んでいれば、彼に直接質問できたのに、と思うと残念だ。

• パークスのテンポは速めだ。「120bpmは、軍隊が長時間の行進を無理なく続けるために採用したテンポであり、コントラダンスでは何世代にもわたって標準とされてきた。一晩の中で、エネルギーの強さや盛り上がりに変化をつけるためにテンポを変えることはあっても、上下とも8ビート以上変えるべきではないだろう（下げても112まで、上げても128まで）」。パークスはコーラーであると同時にピアニストで、ミュージカルにも精通し、何を言っているかをよく理解していたので、この数値は文字通りに受け取ってよいと思う。

  私は普段、人には108〜122と伝えている（例）し、仮に今日126で演奏すれば、かなり機嫌を損ねる人も出るだろう。110前後を好むバンドもいくつか知っているし、120bpmを超えて演奏しないでほしいと言われたこともある。これが長年の変化を反映しているのか（とはいえ2010年版でも数値はそのままだった）、それとも当初からやや独得な主張だったのかはわからない。

• パークスは長めのダンスを好んでいた。「私の感覚では、経験者なら10分程度がちょうどいい。初心者や定年を過ぎた年代の人たちなら、5〜6分に短縮するとよいだろう。スクエアダンスやコントラダンスのレコードは3〜4分のものがほとんどだ。録音された音楽でコントラをコールするなら、1つのダンスにつきレコードを2回かけるか、2枚の異なるレコードを使えばよい。伝統的には、コントラは『端から端まで行って戻ってくる』まで踊られた。つまり、先頭のカップルが列の最後尾まで下がり、再び先頭まで戻ってくるまで踊り続けたのである。これは全員が平等に踊る機会を得られるようにするために必要だった。1950年代以前は、多くのコントラの振り付けで少なくとも半数のカップルがかなりの時間立ったままになることがあったからだ」。私は8〜9分が典型的だと考えている。これは、コントラダンスで生演奏が生き残った理由の一端は、レコード（そして45回転のシングル盤）が短すぎて全員がアクティブとして踊る順番が回ってこなかったことにあるのではないか、という私の仮説とも符合する。

• パークスは「フォー・ポテト」での始め方について触れていない。「ほとんどのバンドは、各曲を4ビートのイントロで始めることを好む。これには通常2つの形がある。フィドルによるシャッフル（『ダー・ディディ・ダー・ディディ・ダー・ディディ・ダー』）か、4つの『ウーム・パー』からなるピアノのヴァンプだ」。これは1992年までには「フォー・ポテト」に取って代わられてほぼ廃れていたものだと思うが、彼は2010年の改訂版でもこの記述をそのまま残している。

• 録音と生演奏についての記述もある。

  「良いレコードは下手なバンドよりましだ」と言った人がいる。これはせいぜい半分だけ真実だ。入手できる最高のレコードを、ダンスに合わせて慎重に選び、最高品質の音響システムで再生したとしても、不安定だったりやる気のないバンドよりある面では優れているかもしれない。ある面では、だが、すべてではない。どんなにひどい生バンドでも、そこにはレコードでは決して得られない臨場感があるのだ。

  それでも、録音された音楽は特定の状況では救いの手となりうる。結成されたばかりのダンスグループで、周囲にダンス音楽を演奏できる人が見当たらない場合、レコードやテープで優れたスクエアダンスやコントラダンスの音楽が手に入ることを喜ぶだろう。小さな教会やPTAのような、スクエアダンスを試してみたいが予算が生演奏を到底許さないグループは、レコードをかけるコーラーを雇うか、さもなければ活動自体を諦めなければならないかもしれない。そうしたグループが初めてのダンスを大いに楽しみ、次は同じコーラーを生バンド付きで再び雇う、ということもよくあるのだ。

  レコードをうまく使うコツは、その長所を活かすことだ。「利点」と呼ぶのはためらわれるが、録音音楽にも確かに強みはある……

  これは全体としては生演奏を支持する内容だが、その立場は「原則論」というより「現実的」なものだと私は解釈している。

  こちらも現実的で、初心者の音楽家を育ててダンスで演奏できるようにすることを明確な目標とした一節だ。

  見つかる音楽家の腕前は、卓越したものから最低限のものまで幅があるだろう。もし出会う人みんながどちらか一方の極端に偏っているように見えても、慌てることはない。熟練した奏者は、安定した地元の仕事を歓迎してくれるかもしれない。シリーズを平日の夜に開催すれば、土曜のコンサートより安い料金で一流の腕を持つ人材を雇えるかもしれない。一方、駆け出しや気楽にやっている音楽家は、経験や人目に触れる機会（そして少しの交通費）のために喜んで演奏してくれるかもしれない。まったくの初心者でさえ、ダンスにとって財産になりうる。彼らには一晩のうち1、2曲だけ演奏してもらい、残りは録音された音楽を使い、徐々に一晩通して演奏できるようになっていけばいいのだ。

• 両版を比べると、最も多い変更は技術的なものだ。「records」や「tapes」が「recordings」に置き換えられたり、推奨する音響機器メーカーのリストが更新されたりしている。2010年版はジプシーをめぐる議論やジェンダーフリーなコールへの本格的な移行より前のものだが、この移行の初期やLGBTグループ向けのジェンダーフリーなコールについての議論は追加されている。

  ここで三つ目のアプローチ、性別の役割に新しい名前を付けるという方法に至る。ここ20年ほどで、これがこの問題への対処法として主流になってきた。さまざまな名前が試されてきた。少数のリーダーは「ワンズ」と「ツーズ」を使ってきた（もちろん、スクエアやコントラではこれらの用語は別の意味を持つ）。より一般的なのは「レッズ」と「ブルーズ」、「ライオンズ」と「タイガーズ」、「ムーンズ」と「スターズ」といった名前だ。こうした中立的な名前では、どちらの名前がどちらの役割を指すのか覚えるのが大変になることもある。踊り手にとってはどちらでも構わないのだが、コーラーは各カップルのどちらが右側にいるのか、そして伝統的な振り付けをアレンジした際に誰が何をすべきかを把握しておかなければならない。私の妻ベスは、伝統的なスクエアダンスの曲「Birdie in the Cage」にちなんで、「レディ」の代わりに「バーディー」、「ジェント」の代わりに「クロウ」をよく使う。これには二つの利点がある。どちらの役割がどちらかコーラーが覚えやすいこと、そして新しい名前が古い名前と同じ音節数で、リズムに合わせてコールする際にそのまま置き換えられることだ。

  新しい名前に加えて、アームバンド、ベスト、ゆったりした布製のヨークといった身につけるもので踊り手を区別することもできる。通常、カップルのうち片方だけがそれを身につける。単一性別のグループでは「反対」の役割を担う人が、ジェンダーフリーのグループでは「リード」あるいは「ジェント」の役割を担う人が身につけることが多い。LGBTコントラダンス分野の先駆者であるクリス・リッチオッティは、役割を「アームバンズ」と「ベア・アームズ」、略して「バンズ」と「ベアズ」と呼んでいる。もっとも、彼のダンサーたちは今では完全なアームバンドではなく、短いクリップ式のリボンを付けている。帽子は、アームバンドやヨークに比べて実用的ではない。簡単に脱げてしまうし、髪型を崩すし、アタマジラミを媒介するのではないかと疑われることもあるからだ。

• 1992年の本の方が、紙質も印刷品質も明らかに優れている。